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«La alfarería es una de las disciplinas artísticas más antiguas y primitivas… poco a poco mediante el tacto descubres el material y empiezas a dialogar con él para darle la forma que tú quieres.»
“De descendencia atlántica, la artista Emma Llorente Palacio nace un 7 de noviembre del año 1996 en Barcelona. Se inicia en el arte de la cerámica de la mano del escultor Germán Consetti y continúa explorando su práctica de forma autodidacta. Diseñadora de formación, combina preocupaciones sobre la conexión del cuerpo, los ciclos vitales, la reproducción y lo receptivo con una arqueología del saber que recupera lo ancestral y lo mágico a través de un diálogo con la materia, situándose en un marco de práctica contemporánea en la que se desdibujan los límites binarios entre la naturaleza y la cultura.”
Marta Camps Banqué.
Botó de Cotó: Tienes una gama amplísima de disciplinas artísticas: Cerámica, Fotografía, Diseño de producto, etc. ¿Con cuál de ellas te identificas más? ¿Qué te aporta cada una de ellas?
Emma Llorente: Estudié diseño en Barcelona combinado diferentes disciplinas (diseño de espacios, gráfico y de moda) pero no me acababa de sentir realizada en ninguno de ellos, aún así fue un acierto estudiar diseño ya que mi formación me ha permitido participar en proyectos de diseño industrial y también trabajar con arquitectos realizando maquetas, que es otra de mis pasiones. Me inicié en el mundo del arte de forma semi-autodidacta (en la carrera de diseño algo de orientación artística también hay). Me identifico más en el terreno del arte que en el del diseño. Es allí donde me siento realizada. Actualmente mi medio de trabajo y de expresión es la cerámica, el barro, pero quiero empezar a trabajar con otros materiales como la madera, la piedra y el vidrio.
Mi formación como diseñadora me ha enseñado a trabajar un proyecto de principio a fin y aprender a autogestionarme, poder organizarme el tiempo, los recursos y la energía. También me ha enseñado a investigar, a buscar referentes y la importancia de documentar bien un proyecto y el proceso.
El arte para mí es lo que “da sentido a de vida”, al menos a la mía… Mi práctica artística es un diálogo constante conmigo misma, es la excusa perfecta para cuestionar lo me intriga y la mejor manera de enseñar y explicar (y explicarme) de forma tangible todo aquello que me fascina pero existe en mi mente de una forma muy particular y que probablemente en palabras sería muy difícil de explicar. El arte es mi mejor medio para comunicarme con el mundo. Mi lenguaje.
Botó de Cotó: ¿De qué manera estructuras tu proceso creativo?
Emma Llorente: Creo que no tengo un método determinado de trabajo y que cada proyecto respira un aire y ha tenido un proceso diferente. Pero en general me imagino mi proceso creativo como una constelación más que una línea recta que va de principio a fin. En esa constelación hay referentes (escultura, pintura, cine, literatura, etc.), hay palabras claves, hay formas y colores, hay recuerdos de vivencias personales. Entonces empiezo a profundizar en esos referentes, en esas primeras ideas o recuerdos y de repente “algo” va cogiendo forma, entonces empiezo a dibujar y es allí mientras pienso con la mano, dibujando, que ese “algo” ya ha cogido forma sobre el papel. Después de tenerlo dibujado de una forma más abstracta o conceptual, empiezo a hacer dibujos técnicos pensando en la mejor estrategia o forma para construir la pieza y que esta se sostenga y no se rompa.
Una vez finalizada la producción de la pieza o piezas empieza la fase de comunicación, dónde conjuntamente con la ayuda de algún amigo fotógrafo pensamos en la mejor manera de fotografiar las piezas para que las imágenes resultantes ayuden a transmitir la idea original y a su vez también realizar un texto que acompañe y de soporte a las imágenes.
Botó de Cotó: ¿Cuál es tu mayor referente artístico? ¿Quién te inspira?
Emma Llorente: Mis mayores referentes artísticos e inspiración son Kiki Smith y Louise Bourgeoise. Me seduce toda su obra y ellas como personajes. Siguiendo la misma línea conceptual, hace poco descubrí a la artista catalana Fina Miralles, tiene obras preciosas. Soy una enamorada de toda la obra de Alberto Giacometti y de Mark Rothko, ambos “Genio y figura, hasta la sepultura”. Encuentro que los dos tienen una carga espiritual y simbólica muy fuerte en toda su obra.
También despierta mi interés la obra de un contemporáneo, el escultor valenciano Nacho Carbonell que deambula entre esa fina línea entre arte y diseño. Tiene una obra muy sugerente y onírica.
Otra gran fuente de la que bebo para inspirarme esta los ritos, creencias y ceremonias de la antigüedad y los objetos vinculados a ellos. Actualmente estoy investigando mucho sobre las religiones del Neolítico, la religión de los primeros agricultores, las Diosas y Dioses a los que adoraban y todos los objetos vinculados a sus ceremonias: vasijas, cuencos, mascaras, figurillas devotas de cerámica, etc.
Botó de Cotó: Organizas workshops de vasijas y modelado, danos algún consejo de cerámica para “Dummies”.
La alfarería es una de las disciplinas artísticas más antiguas y primitivas, es por eso que a mí parecer es muy intuitiva, por eso lo mejor es comprarse un paquete de barro o arcilla, algunas herramientas y experimentar en casa, poco a poco mediante el tacto descubres el material y empiezas a dialogar con el para darle la forma que tu quieres.
Nunca he sido partidaria de una formación muy pautada o técnica creo que puede coartar la libertad creativa y limitar los resultados. Lo bueno de los workshops es que duran 3 horas y en ese tiempo te vas con las bases de lo más importante, tipos de barro, temperaturas de cocción, tipos de herramientas (cómo y cuándo usarlas) y algunos trucos de modelado. Con todo esto cualquiera en casa ya puede “tirar millas”.
Botó de Cotó: ¿Cómo de importante es que un jarrón de vida a las flores ya cortadas?
Emma Llorente: A mí personalmente también me gustan los jarrones al desnudo, sin ningún ornamento. Pero he de reconocer que me hace especial ilusión cuando la gente me envía fotos de mis jarrones con las flores que han elegido o en que parte de sus casas han decidido colocarlos.
Botó de Cotó: Cuéntanos un poco sobre tu próxima exposición ¿De qué se trata?
La exposición se titula COBIJOS y esta inscrita dentro del circuito Art Nou de este año, esta será presentada por primera vez en la galería H2o a finales de junio. Se trata de un recorrido a través del cuerpo de la mujer y de los ciclos vitales que intervienen en él, todo ello materializado en tres series de piezas cerámicas que simbolizan cómo la menstruación, el embarazo y las reservas ováricas operan a través del cuerpo.
La primera propuesta, matrioshkas, esta formada por tres vasijas cerámicas unidas y seccionadas que ilustran las tres edades de la mujer: niña, mujer y anciana (pre-menstrual, menstrual y menopausia), a través de un juego de vasijas cerámicas dónde la niña y la mujer se encuentran dentro de la anciana.
La segunda propuesta, sonajeros, esta formada por 32 sonajeros de cerámica que alojan en su interior más de cuatrocientos “óvulos” de barro con los que, luna tras luna, se va generando o desprendiendo la vida a través del ritual del desprendimiento menstrual. La inspiración para hacer los sonajeros de cerámica surge al descubrir que en la antigüedad los egipcios y los fenicios hacían los sonajeros de cerámica pero no tenían finalidad lúdica, sino que creían que el sonido ahuyentaba a las malos espíritus así que se los daban a los niños para que estuviesen protegidos.
La última de las series, matrices, ilustra en 9 piezas el aumento del tamaño y el cambio de forma de un útero en cada mes embarazo, desde la concepción hasta el alumbramiento.
La exposición estará acompañada de bocetos, esquemas y reflexiones que he ido generando durante todo el proceso de creación.
